Criatura sin apenas habla, balbucea, canta. Gus Van Sant presenta a Blake-Kurt como un pequeño salvaje entre arroyos y bosques, como una especie de duende. El sonido del arroyo en el que se baña y el sonido sampleado del que va naciendo su música parecen provenir del mismo sitio.
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Un turista al fotografiar Roma cae redondo al suelo mientras escuchamos la música de un pequeño coro de mujeres situadas en el Gianicolo, monumento próximo desde el que parece haber unas hermosas vistas de la ciudad. Roma, esa cámara sin fotógrafo y la música tomarán el protagonismo del film definido en esta especie de prólogo. La cámara parece querer liberarse del sujeto, distanciar su parte objetivo/a de la sensible (pelicula o chip), o quizás al revés, iniciar una búsqueda del sujeto que la sostenga.
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La prueba del ángel, en eso consiste esta pieza, en la prueba de la encarnadura por el ángel, del peso, la feliz caída en el cuerpo. La voz, el canto lo sitúa Javier abajo, a ras de suelo con el fondo de piedra de los muros externos de la basílica, mientras arriba se construye el cielo (no es figurado aquí, es lo que esos trabajadores preparan para El misterio de Elche) el mismo quizás tan ampliamente recreado en Los pies que faltan.
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Sin duda hay un parecido entre el David Trueba joven y el John Lenon de 1966-68, eso sí, más icónico que físico. Y sin duda David es hijo de esos mismos años en los que fue concebido. Quizás podríamos resumir esta peli como un viaje en busca de “la letra” que nos hizo.
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Siempre se puede volver al padre, desvela esta peculiar película. Los hombres de esta singular familia pueden viajar en el tiempo dentro de su propia vida, aunque el protagonista, al que le ha sido revelado el secreto por su padre en su mayoría de edad, descubre que es un superpoder con trampa y que no le permitirá sortear determinadas dificultades. Esto es especialmente cierto a partir del momento en que Tim tiene sus propios hijos.
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Una peli que profundiza en un núcleo familiar herido en lo materno. De ella sabemos que ha tenido una madre terrible que permitía a los ligues que se llevaba a casa le pegaran, él vivió durante años en un coche, a falta de casa materna que lo acoja.
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Un verano ardiente es una peli sobre la imagen, la sombra, el lienzo que desea arder. La lámpara del proyector acariciando la pelicula-piel, proporcionándole calor. De ahí esa mujer encarnada por la corpórea Monica Belluchi, deseada por esa constelación de ángeles que la rodea. No en vano el personaje se llama Angèle y es actriz en una aclamada película con “ángeles” en el título.
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El rojo es el subjetivo de una sensibilidad sin encarnar. El rojo es el que mira. Desierto por definición es desierto de mirada, desierto de sujeto, por eso el rojo aquí es objetivo puro, cromlech. Giuliana es paisaje, es parte del organismo de la naturaleza visual, animada e inanimada, no hay naturaleza muerta aquí.
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El relato empieza al final, en el último plano que sitúa a Irene tras una reja en el psiquiatrico. Habría que hacer una segunda visión de esta película hacia atrás, como vista en el espejo retrovisor de un coche, desde el lugar donde ella no es nadie, desidentificada es solo mirada. Ese espejo retrovisor alcanza hasta la muerte del hijo, el eje del film donde se produce el giro, el intercambio.
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Charles es un hombre sin fisura, sensible, pero cerrado, que vive en esa casa frontera de la playa entre el mar y la tierra. La casa y él componen una figura materna, una especie de San José.
El título de la peli nombra por ausencia al padre de Ryan, tabernero alcohólico y cobarde, también fronterizo con lo masculino: alcoholismo y mar forman parte de un mismo arquetipo.
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