“Al final no pedí un deseo, escogí el mundo”. Son las palabras de Kohichi, tras el cruce de los dos trenes, tras la erupción de su Volcán. Esta frase contiene todo el film. Algo está separado y hay que reunirlo. El fruto de ese encuentro es una explosión, un milagro, el ser.
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Pliegue de la escultura que Antonioni acaricia, pliegue del ojo; mejor de la mirada que viene devuelta, que vuelve y envuelve. La basílica que acoge el Moisés de ese otro Michelangelo y que Antonioni enuncia como si cualquier otro Michelangelo fuera él mismo, parece insinuar que la mirada no es sólo la del que mira
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Una anunciación, pero de algún modo invertida, su negativo. Comienza el film con una expulsión, y algo similar sugerido en el cuadro “La huida a Egipto” de Peter Paul Rubens que cuelga en el museo Gulbenkian y en el que se detiene el film. “… el Ángel del Señor se apareció en sueños a José y le dijo: Levántate, toma contigo al niño y a su madre y huye a Egipto” (Mateo 2,13).
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Hay algo de cine primitivo en esta peli, de Lumiere, Linklater quisiera haber dejado la cámara registrando e irse, retirarse para luego recuperar el material y que el ojo goce del cuerpo desperezándose, haciéndose adulto, pero finalmente siente que debe estar presente,
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Esa polaridad que nos hace o que necesitamos representar para entender algo de lo que es complejo y en movimiento continuo, propone en este film un singular caso. Cuando el Señor Turner llega a casa después de un viaje, la criada acude al mercado para agasajarlo con una cabeza de cerdo. Un padre cariñoso lo recibe también y le recomienda un afeitado (luego sabremos que el padre era barbero), pero antes de su afeitado vemos afeitar la cabeza de cerdo. Leigh no duda en igualar a pintor y cerdo en el arranque del film
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La decisión de encarnar, de caer y pesar, de entrar en el tiempo, es quizás argumento y motor de una gran parte de la literatura y el cine, lo es en el Quijote, y sin duda en los Evangelios. Lo extraordinario de este film es el grado de conciencia, la literalidad con que se enuncia este proceso. Lo primero es representar al sujeto que mira sin ser, ese supersubjetivo tan habitual en el cine, pero que raramente muestra al observador, al no nacido, al ángel, a la posibilidad pura en búsqueda.
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El hilo como el agua que puede ser río busca su propio cauce, el mismo día que subo el post de Dawson crece me reencuentro con Flamenco y las mismas palabras destinadas a Dawson están ya hablando de Flamenco: “es una proyección, una sombra en la pantalla-piel de la ventana de la habitación”,
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El vínculo materno que la naturaleza ha querido representar en el cordón umbilical, y que en algunos partos se convierte en soga de horca, es quizás una imagen insuficiente para las necesidades simbólicas de las relaciones familiares en el mundo contemporáneo. Guillaume, un director-personaje muy actual, se ve en la necesidad de construir una imagen que supere la metáfora del cordón umbilical.
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Un hombre en busca de su origen, de la imagen primigenia que lo hace. Sean Thornton (John Wayne) viaja a un pequeño pueblo irlandés, pues hay algo umbilical que siente en riesgo.
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Una ópera en la que el sujeto no es el que mira sino el que está sujeto y desde esa atadura entra y sale en un relato delirante, en una especie de interminable fiesta báquica.
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